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31 mar 2011

Abogadas, las mejores caras de la Ley

LO MEJOR QUE HE VISTO EN 2010 | 2


El Derecho y la televisión han gozado siempre de una relación muy fecunda. Desde el Vosté Jutga al De buena ley, los programas de simulación de juicios suelen tener buena acogida entre la audiencia y, de hecho, gran parte de los realitys y de la parrilla rosa son una suerte de contenedores repletos de pleitos, litigios, querellas, procesos abiertos y causas pendientes.

Pero es en la ficción donde el mundo judicial alcanza su esplendor. De continuo se nos han ofertado todo tipo de magistrados y letrados ilustres al más puro estilo Perry Mason. También los ha habido entrañables y cachondos, como el irrepetible Harry Stone de “Juzgado de guardia”.

Ahora coinciden en emisión tres series de género legal cuyas protagonistas son mujeres abogadas. Sin embargo, su propuesta argumental dista mucho de lo que podría presuponerse. No se articulan como reivindicaciones feministas, sino como alternativas a los estándares clásicos de la abogacía catódica.


Harry’s Law: Harry Korn es una solitaria abogada de patentes que, a punto de cumplir los sesenta, es despedida y decide volver a empezar de cero. Una serie de curiosas coincidencias la llevan a abrir un atípico bufete-zapatería en un barrio conflictivo, donde se entregará a causas penales.

The Good Wife: Alicia Florrick apenas llegó a ejercer la abogacía, pues se casó, tuvo hijos y se dedicó a su familia. Ahora, cuando su marido, el fiscal del distrito, es acusado de corrupción, se destapa también que le ha sido infiel. Lejos de hundirse, Alicia decide retomar su vocación en el prestigioso bufete de un amigo de la facultad que sigue enamorado de ella. Al mismo tiempo, y pese a las presiones, se esfuerza por mantener unida a la familia, incluyendo a su convicto marido infiel.


Fairly Legal: Kate Reed es hija, hermana y ex esposa de abogados. Ella también litiga en la oficina familiar hasta que la muerte de su padre, que también es maestro y amigo, la decide a abandonar los tribunales y dedicarse a la mediación profesional de conflictos.

Estas tres mujeres no casan con el patrón de Ally McBeal o Patty Hewes. No las mueven ambiciones personales ni profesionales, no ejercen para sentirse realizadas, ni representan roles de mujeres exitosas en un universo hostil por la supremacía masculina. Tras haber sido sacudidas por tragedias personales, se vuelcan en ayudar a los demás, con un interés tan genuino y desprendido que sus clientes y compañeros de profesión se ven transformados.

Son inteligentes, locuaces, creativas; no recurren a las típicas artimañas legales, empatizan con facilidad y en sus argumentos ponen de manifiesto las lacras de su profesión; como que la gente se enfrenta por estupideces, que no nos escuchamos unos a otros, que el respeto evita la violencia, y que, a menudo, olvidamos que las leyes fueron dictadas por los hombres, y que los hombres son falibles y se equivocan.


Harry, Kate y Alicia luchan por algo más importante que la ley: la justicia y la verdad. Y vale la pena verlas en acción.

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    3 mar 2011

    Buried

    LO MEJOR QUE HE VISTO EN 2010 | 1


    Si he de recomendar sólo un film español del último año me decanto por Buried (Enterrado). Sí, ya sé que está hablado en inglés, titulado en inglés, interpretado por un actor norteamericano y producido en Hollywood; pero esto es lo que tiene la globalización.

    Mantener a un personaje encerrado en un ataud durante la totalidad del metraje parece un reto audaz o suicida, o ambas cosas a la vez. Lo mejor no es la exquisita iluminación, a base de poco más que la llama de un Zippo y el display de un teléfono móvil; tampoco una inspirada partitura de Víctor Reyes. Lo magnífico es el guión original de Chris Sparling.

    Qué fácil es hacer 2012 con una millonada en efectos especiales y un reparto de postín. Qué difícil, en cambio, plantear una situación límite y sostenerla noventa minutos en crescendo narrativo con las limitaciones de Buried.

    No admiro este film de Rodrigo Cortez sólo porque técnicamente es un prodigio. Lo hago por ser una demoledora parábola de nuestro tiempo.

    Plantea la paradoja del hombre del siglo XXI: enterrado en vida, sepultado por una arena con un heterogéneo valor simbólico: estrés, preocupaciones, pecado, fantasmas, karma, fobias... Aislado, pero conectado con el exterior a través de las nuevas tecnologías, que mantienen su esperanza de supervivencia, pero también convierten su desgracia en espectáculo morboso para los demás; encerrado en un habitáculo del que no puede salir, pero con rendijas por las que se cuelan todo tipo de peligros; en condiciones terribles, de las que algunos desalmados intentan sacar provecho; dependiente de un Gobierno que resulta incompetente; traicionado por una empresa que se lava las manos; vinculado emocionalmente a una familia enferma y desestructurada, ausente y desmemoriada, que sólo toma conciencia de su fortaleza en situaciones límite y quizás irreversibles.

    De alguna manera, todos podríamos ser Paul Conroy, buscando sentido a una vida que se nos escapa; anhelando que no se nos acabe el escaso oxígeno, aunque esté enrarecido; deseando no morir aún, o al menos no así, no utilizados por unos y por otros para justificar sus propias demencias; no solos, no incomprendidos, no amados…

    © !)


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      15 nov 2010

      Hay que admirar a B

      Se les ha conocido como "las tres B del cine español": Buñuel, Berlanga y Bardem. Tuve oportunidad de ver "Calle Mayor" sentado codo con codo con el mismísimo Juan Antonio Bardem, quien nos hizo una master class sobre el trabajo de guión en su película durante un verano de cine en la Universidad de Valladolid. También tuve el privilegio de disfrutar del maestro Jean-Claude Carrière (el inseparable colaborador de Buñuel) como profesor en el Máster de Guión de la UAB. Pero jamás pude conocer a Berlanga, salvo lo que de él quiso mostrarme en sus películas. Y fue lo bastante como para concluir que era el mejor de los tres. No sólo por su talento como cineasta, sino por haber sido capaz de hacer lo que hizo y decir lo dijo en el contexto opresivo (ergo estimulante creativamente) en el que se movió. No me consta que las nuevas generaciones de cineastas nacionales se acerquen, ni por asomo, a esta capacidad de diseccionar la sociedad que les ha tocado vivir y posicionarse respecto a ella. Parafraseando a Robert DeNiro: "Berlanga tú eras Bueno, muy Bueno"...

      Luis García Berlanga In Memoriam
      (1921-2010)


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        9 nov 2010

        En defensa de... Robin Hood

        MICROMENTAR(!)O.- Siento cierta fascinación por el personaje de Robin Hood y he visto casi todos los intentos por contar su historia; pero ésta me sorprendió por haber sabido encontrar una nueva forma de hacerlo.

        ¿Falta acción? Para la historia que nos cuentan no lo creo. Hubo un tiempo pre Michael Bay, Jerry Bruckheimer, Roland Emmerich y sus secuaces donde lo importante era la historia y no las secuencias espectaculares porque sí. El presupuesto ha sido alto, como la mayoría de los de Ridley, por su diseño de producción, que es absolutamente brillante. Prefiero que se lo gaste en esto que en apáticos y mareantes efectos digitales.

        Scott no ha querido hacer un vacuo Transformers, ni siquiera un épico Gladiator; luego no creo que haya fracasado en el ritmo; sencillamente "su ritmo" no es el estándar actual y puede resultar inapropiado, pero a mí no me lo ha parecido.
        Echo en falta alguna secuencia memorable (no recuerdo ninguna), pero no "acción dramática", que es la que impulsa la historia hacia adelante, la que evita que se estanque.
        Destaco que el guión es de Brian Helgeland, a quien le debemos ―entre otras joyas― L.A. Confidential, Payback, GreenZone, El fuego de la venganza, los Eastwoods Deuda de sangre y Mystic River, además de esa inclasificable y deliciosa Destino de caballero... Es decir: guiones magistrales articulados con una originalidad fuera de lo común en nuestros días.

        © !)

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          27 oct 2010

          La vida te da tweetpresas


          Me ha encantado el tweet que envió anoche Guillermo Arriaga, guionista de Amores perros, 21 gramos y Babel. ¿Habra leído mi cuento?


          Nota: Elegí un buen día para imitar su estilo...

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              17 jun 2010

              ¿Qué le pasa a John Lasseter?


              «Si no puedes con tu enemigo, únete a él». Es la máxima a la que Disney se agarró cuando vio que Pixar iba a comenzar su vuelo en solitario, dejando de ser el socio responsable de su regeneración como estudio de animación y de una de las etapas más exitosas de su historia. El hasta entonces aliado estaba a punto de convertirse directamente en la competencia, así que Disney hizo lo que correspondía a sus intereses: absorberlo. Y no se conformó con adquirir la compañía por una cantidad obscena de dinero; también se aseguró la esencia de Pixar fagocitando en su organigrama a John Lasseter, alma mater de la idea que cambió la historia de la animación. Desde entonces, el devenir de Lasseter presenta síntomas preocupantes.

              El primer aviso llegó con “Up”, film que puede alardear de uno de los mejores arranques cinematográficos jamás vistos en pantalla y de una banda sonora extraordinaria. El resto es un despropósito, que no lo parece gracias al efecto hipnótico que causa en el espectador la contemplación de ese poderoso film dentro del film que es la maravillosa historia de “Carl y Ellie”.

              Que un anciano octogenario de vida sedentaria sea capaz de arrastrar su casa flotante durante kilómetros sin desfallecer, de enfrentarse a un villano de pasado atlético y a su jauría de perros, e incluso de encaramarse a un dirigible en pleno vuelo para protagonizar una frenética e interminable batalla, para acabar soportando el peso suspendido en el vacío de un niño, un perro, un rollo de manguera y un ave de una tonelada tiene un pase (¿Lo tiene?). Que exista un dispositivo que, colocado en el cuello de caninos, interprete su pensamiento y sus ladridos y los traduzca al lenguaje humano puede colarse como aplicación tecnológica de última generación. (¿Puede?).

              Lo que es inadmisible desde el punto de vista argumental es que unos perros piloten aviones como marines de élite. Esta “solución” planteada en una serie de televisión autóctona es (como tantas otras) una torpeza revestida de “idea genial”; pero en el contexto del control de calidad que la propia Pixar se autoimpone (y que es la razón de su sello distintivo) resulta inaceptable. No vale la excusa de que “son dibujos animados”. Si algo es definitivamente responsable del éxito de Pixar no es tanto el prodigio técnico o la desbordante imaginación (que también), sino el pulcro, poliédrico y coherente diseño de los personajes. No importa que sean insectos, muñecos, monstruos, coches o robots; siempre son lo que son. Si los perros de “Up” son perros no pueden pilotar aviones. Aunque se nos permita “conocer” sus pensamientos gracias a un dispositivo “mágico y revolucionario” siguen siendo perros. Y los perros no pueden pilotar aviones… salvo que sean el Patán de los “Autos locos”, un standard de animación opuesto a los films de Pixar. Un ejemplo paradigmático es Buzz Lightyear: en realidad jamás vuela (aunque lo parece) porque –talento Pixar- ¡es un muñeco! Y además –genialidad Pixar- descubrir que no puede hacerlo repercute emocionalmente en el personaje.

              Una relectura de ”Up” a la luz de estos considerandos nos muestra un film menor de la factoría, que anticipa un cambio de voluntades e intenciones que puede ser nefasto.

              El segundo toque de atención llegó con “Tiana y el sapo”. Ya expliqué en otra ocasión por qué, así que no me extenderé al respecto. Sólo comentaré que la gravedad del asunto no radica esta vez en el argumento sino en la forma en cómo se vendió el film, a base de mentiras y ocultaciones. Además de lo ya escrito en el referido artículo, añadiré que nos la vendieron como la primera vez que Disney convertía en protagonista a una afroamericana (¡), cuando la realidad es que el personaje pasa la mayor parte de film convertido en una rana y su raza no influye en el desarrollo de la trama, ergo resulta superfluo. Otro síntoma de desviación atribuible –quizás a su pesar- al responsable directo de la producción: John Lasseter.

              La prueba de fuego llega ahora, con el inminente estreno de “Toy Story 3” (23 de julio). Recordemos que cuando Pixar era independiente de Disney, Lasseter se negó una y otra vez a hacerla. Ahora, trabajando a sueldo para ellos, no sólo ha dado luz verde al proyecto (quiero pensar que también a su pesar), sino a “Cars 2”, “Los increíbles 2” y ¡atención! “Monstruos SA 2”. Para un amante del cine, esto último es poco menos que una aberración, como si nos anunciaran “Casablanca 2”, “Los otros cuatrocientos golpes”, “Apocalypse Now, el retorno” o “Blade Runner Reloaded”. Las obras maestras no se tocan y punto.


              Espero con inquietud (y no con la efusiva algarabía que corresponde a los estrenos Pixar) el resultado de un tira y afloja ancestral entre los creadores y los explotadores de esta indiscutible joya de la historia del cine. Ojalá no nos decepcione. Ojalá las nuevas aventuras de Woody, Buzz y los demás nos reconquisten. Si no es así, si la propuesta no suma -o lo que es peor: baja la media de la trilogía- se confirmarían nuestras peores sospechas: el triste declive de los valores Pixar, enviciados y desvirtuados por la tan a menudo perversa máquina de hacer dinero a.k.a. Disney.

              John: escapa de sus garras antes de que sea demasiado tarde !)

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                23 feb 2010

                "UP": la muerte conmovedora


                Uno de los momentos más tristes que encontramos en la filmografía de Pixar es aquel en el que Carl Fredricksen ha perdido a Ellie. Con "Up" los creativos del estudio que revolucionó la animación abordan por primera vez en serio el tema de la muerte (la desaparición de la madre de Nemo sucedía en elipsis).

                Como es propio de quienes buscan ─y con frecuencia encuentran─ la solidez del argumento en la construcción de los personajes y no en las peripecias o el formalismo técnico (lo que les distingue de ─casi─ todos los demás aspirantes al reconocimiento mundial con sus proyectos de animación), Pete Docter y su equipo construyen este instante de forma magistral. Tanto es así que, a partir de aquí, la película no lograr superar semejante listón emocional.

                La subyugante reflexión sobre la pérdida de un ser amado se articula en una colección de eventos en la historia de Carl y Ellie, subrayados por una música maravillosa y evocadora.


                Este álbum de recuerdos de toda una vida apenas dura cuatro minutos, pero incluye dos momentos de terrible dramatismo: Ellie destrozada por haber perdido el hijo que esperaba mientras el doctor le comunica que además no podrá volver a tener hijos, y Carl, muchos años después, sentado en la iglesia, solo, junto a la corona de flores de su amada esposa.

                En ambos la cámara no se limita a captar fotográficamante lo que sucede, sino que se implica en la narración:

                En el primer momento, un travelling nos lleva desde la habitación del bebé que preparan felices los futuros padres hasta la consulta médica donde les explican la terrible noticia. Entonces, frente a la puerta abierta, la cámara se detiene, como símbolo de algo que no puede continuar y de su efecto demoledor en los personajes.

                En el segundo la cámara no se mueve, pero el escenario cambia, mostrándonos al viudo dándole la espalda al mundo y recluyéndose en su casa, ese microscosmos que ha sido testigo del amor de la pareja. El anciano pasa al interior llevando un globo que se antoja depositario del alma de su esposa, sabiendo que poco a poco ese recuerdo, que aún sigue ahí sostenido, irá perdiendo altura a medida que el tiempo pase.


                "Up", el prólogo: Carl y Ellie, a married life.

                Otras muertes cinematográficas igualmente conmovedoras...


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                  16 nov 2009

                  "Miénteme"

                  Son buenos. Los guionistas de televisión norteamericanos son muy buenos. Y no sólo los de ahora, que son una generación tan brillante que parece que no se haya hecho ficción de altísimo nivel antes de “Los Soprano” y “Perdidos”. Al fin y al cabo, J.J. Abrahams o Joss Whedon no son más que los Rod Serling del siglo XXI.

                  A veces (no siempre) me molestan las comparaciones, porque no creo que sea una cuestión de talento sino de oficio; y el oficio se adquiere con la práctica, el nivel contextual y los protocolos de la profesión allí. Así que cuando mis admirados colegas de Hollywood meten la pata, demostrando que también son humanos y no tan rigurosos como se cree, pues, a su pesar, nos hacen un favor corporativo.

                  En un episodio de “Lie to me” emitido por Antena 3 hace unos días, el doctor Cal Lightman (Tim Roth) instruye a unos agentes sobre el lenguaje de los gestos y los movimientos del cuerpo como método para detectar actos premeditados de violencia. En su exposición analiza imágenes captadas por cámaras de vigilancia y explica cómo cierta expresión facial anticipa sin lugar a equívoco que una chica de 16 años está a punto de disparar a su profesor, y que esa misma expresión se observa en el rostro "de un independentista vasco subiéndose a un autobús con nueve kilos de explosivos atados a su pecho". ¿Qué les parece? (!)

                  Desde la fusión que hizo John Woo de las fallas valencianas y la Semana Santa sevillana en “Misión Imposible 2” nada tan brutal como esta afirmación, que hace que el título de la serie se convierta en toda una premonición.

                  La prueba del delito:


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                    15 jun 2009

                    Abstención

                    not vote is cool (by andrew lumban gaol)
                    Abstenerse de algo guarda estrecha relación con el perjuicio que ese algo produce en quien, por ello, quiere evitarlo. Los drogodependientes en rehabilitación deben abstenerse de entrar en contacto con ciertas sustancias para no recaer en un destructivo proceso de despersonalización. Los que practican la abstinencia sexual o alimenticia por motivos religiosos creen que, de no hacerlo, incurrirán en el pecado y la ofensa divina. A menudo abstenerse de opinar es actuar con cautela para evitar un conflicto. Y así.

                    Según este planteamiento, abstenerse de votar sería proceder de manera preventiva para no salir perjudicado.

                    El pasado domingo volvió a reproducirse el fenómeno de las dos Españas. Esta vez la división no fue política, por más que se empeñen en reinterpretarnos las elecciones como el triunfo de unos y la derrota de otros. Es como decir que el Barça es el ganador de la Selección porque aporta más jugadores al equipo nacional. Como si a la hora de enfrentarse en el Mundial, por ejemplo, a Argentina, Xavi fuese a hacer una asistencia de gol a Messi porque comparten vestuario (y Triplete) en el Camp Nou. España vuelve a estar partida por la mitad; pero ahora es entre los que votan y los que no votan.

                    Yo sí me planté ante las urnas, pero no me dejaron votar a quien yo quería. Esto ya lo sabía, de lo que se deduce que soy imbécil o masoquista. Le llaman ejercicio de libertad democrática, pero a mí me “obligaron” a introducir en un sobre una lista con un montón de nombres de personas que no conozco (o que precisamente por conocerlas no me inspiran demasiada confianza). Tampoco creo que ninguna de ellas viviese en mi comarca. Y si la había, por su posición en esa lista igual se ha quedado fuera. Me “obligaron” a votar a una persona cuya foto colgada de las farolas hasta mi hijo de cinco años se ha aburrido ver; a un candidato que ni me conoce, ni sabe de mis necesidades, ni estará a mi disposición cuando quiera preguntarle qué está haciendo o dejando de hacer desde su escaño.

                    En consecuencia, votar me ha hecho daño; pero no porque no han ganado “los míos”, sino porque esta ley electoral que tenemos –y que ningún partido político parece dispuesto a cambiar porque ya les va bien así- no me deja votarles. Y luego se lamentan de la alta abstención. Hipócritas.


                    ─Estos hombres no han visto una mujer en años y cumplen con un voto de celibato; al igual que sus padres y los padres de sus padres.

                    "Hot Shots 2", escrito por Jim Abrahams y Pat Proft

                    16 may 2009

                    La madre ausente en “Señales”

                    ALERTA:
                    ESTE ARTÍCULO ES TODO ÉL UN SPOLIER



                    Colleen Hess

                    Me encanta este personaje escrito e integrado en el film de forma magistral por Shyamalan.

                    Por su presencia física en pantalla no deja de ser un secundario menor, casi un extra con frase; pero, desde el punto de vista argumental, es la clave sobre la que pivota toda la película. Aunque sólo aparece en una escena (que vemos hábilmente dosificada), Colleen es el eje vertebrador de “Señales”. Su ausencia pesa como una losa sobre la familia protagonista. Su pérdida condiciona los vínculos entre ellos, provoca una angustiosa crisis de fe en su marido Graham (Mel Gibson) y deja secuelas en el responsable del accidente que la mató. Pero al mismo tiempo es gracias a ella que encuentran una guía para sobrevivir a la aniquilación.

                    Este film, considerado por muchos como un título menor del cineasta que asombró al mundo con "El sexto sentido", trata de algo más que de una invasión alienígena. De hecho, esto no es más que un telón de fondo, un macguffin que el autor utiliza para explicarnos la destrucción y reconstrucción de una familia (una constante, por cierto, en toda su filmografía).

                    Y lo que me parece brillante es que Shyamalan hace coincidir en el clímax los dos momentos: cuando la familia se descompone y cuando vuelve a unirse y saberse completa y feliz. Realmente ambos estados están separados en el tiempo por varios meses, pero dramáticamente Graham pierde la fe y la recupera a consecuencia del mismo evento: la última conversación que mantiene con su esposa antes que ella muera a consecuencia de un brutal accidente de tráfico.

                    Colleen Hess, la madre muerta como doble catalizador de 'Señales'
                    En este último diálogo en flashback, cargado de tristeza y amor, Colleen trasmite a Graham un mensaje que él no logra entender completamente hasta que, meses más tarde, lo reinterpreta a la luz de los trágicos acontecimientos que se producen. Entonces, el hecho que sacudió a la familia Hess y sumió a Graham en una crisis profunda deviene (por segunda vez) en catalizador; pero ahora las palabras de Colleen aportan esperanza, salvan a la familia y devuelven la fe a su marido.

                    Esta doble función dramática de un mismo acontecimiento es una muestra (otra) del talento de M. Night Shyamalan como guionista, convierten a Colleen Hess es un personaje extraordinario y, al hilo de nuestra serie, modélico ejemplo de madre ausente que incide en el argumento del film de forma determinante.

                    © (!)

                    PRÓXIMA ENTREGA: En busca de la madre perdida

                    15 feb 2009

                    Mancos (con truco) [11-14]

                    Cuarta entrega de la lista de mancos cinematográficos. El inventario continúa con la ayuda de muchas manos amigas.

                    —No te conviene soliviantar a un wookie.
                    —¡Pero a nadie le preocupa soliviantar a un androide!
                    —Eso es porque los androides no le arrancan los brazos a su oponente cuando pierden, y los wookies sí.
                    —R2, te propongo una nueva estrategia: deja ganar al wookie.
                    Recordar que sólo podré publicar fichas que respeten el modelo creado al efecto.


                    Personaje: Marcos
                    Film: "Un traje blanco" (1956)
                    Intérprete: Miguel Gil (en recluta con niño era Pipo, Miguelito Gil)
                    Amputación: Cirugía (se presupone) tras caerle encima una montaña del carbón que recogía para pagarse un traje de comunión.
                    Prótesis: Ninguna.
                    Sosias:
                    ¡Esa mano!: Terrible final para una película retorcidamente sensiblera y de cruel moraleja acerca del precio a pagar cuando uno lucha por cumplir un sueño. La última escena, ya sin un brazo y rodeado de cientos de trajes nuevos que la gente le envía al enterarse de la noticia, es para echarse a llorar.
                    Agregado por: Farándula


                    Personaje: Terry Adams
                    Film: "200o Maníacos" (1964)
                    Intérprete: Connie Mason
                    Amputación: El salvaje ataque de los habitantes de Pleasant Valley.
                    Prótesis: No creo que entrara en los planes de los lugareños colocarle una prótesis.
                    Sosias: Anderson Lee (Jay Gillespie) sufre la misma suerte en el remake de la primera película gore que se dobló al castellano: "2001 maniacs".
                    ¡Esa mano!: Clásico del gore. Grotesca y desagradable hasta decir basta. Réplica del musical “Brigadoon” de Vincent Minelli. Curioso modo de celebrar el aniversario del pueblo: una matanza con amputaciones incluidas.
                    Agregado por: Daniel Jándula


                    Personaje: Sofie Fatale
                    Film: "Kill Bill Vol.I" (2003)
                    Intérprete: Julie Dreyfus
                    Amputación: La katana de Hattori Hanzo que empuña Uma Thurman en gran parte de la película.
                    Prótesis: No sabemos.
                    Sosias: Dillon (Carl Weathers) en “Depredador”. También hay varios casos en “Los siete samurais” y “Zatoichi”.
                    ¡Esa mano!: Más bien ese brazo porque, en un arrebato de venganza, La Novia le corta prácticamente el antebrazo izquierdo entero; y qué mala suerte que era justamente el que sujetaba el teléfono. Eso sí, Sofie, deberías aprender a cambiar el tono de tu teléfono móvil, que ya cantas.
                    Agregado por: Hermes Argifonte


                    Personaje: Gill
                    Film: "Buscando a Nemo" (2003)
                    Intérprete: Willem Dafoe (voz en la versión original) y Ramón Langa (en la doblada al castellano).
                    Amputación: Alguna lucha marina con un depredador. Es la demostración de que él no es de pecera.
                    Prótesis: Ninguna.
                    Sosias: Nemo y él son almas gemelas.
                    ¡Esa mano!: Tiene un gran paralelismo con el protagonista, cuya mano (aleta) nunca creció. Ambos se ven reflejados en el otro: emprendedores, luchadores, uno derrotado, el otro con ganas aún por su juventud. Juntos consiguen su meta.
                    Agregado por: Soldado Raso


                    inventario completo
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                    por un puñado de puños
                    juego puñetero

                    31 ene 2009

                    Perplexed Affa!rs [2-09]

                    COSAS QUE ME DEJARON PERPLEJO LOS ÚLTIMOS TIEMPOS


                    …SOBRE PREMIOS

                    El Ondas a “El hormiguero”
                    Sí, ya sé que fue hace meses, pero no logro quitármelo de la cabeza. ¿Tan bajo está el listón?

                    La ausencia de “La Señora” en los TP DE ORO
                    Ni siquiera como nominada a mejor serie nacional. Y eso que batió records de audiencia. ¿Cuál es el criterio de los telespectadores? Mientras se emitió le dieron su respaldo. ¿Se han olvidado tan pronto de cómo les gustaba?


                    …SOBRE “FRACASOS”

                    La supresión de "La batalla de los Coros"
                    La idea era buena. Los coros tenían calidad. Marta Sánchez y Soraya estaban estupendas; y todavía lo parecían más al ponerles al feo (aunque buen tipo) de Mikel Erentxun al lado. Premio importante con fines benéficos... ¿Qué falló? La escaleta. ¿Cómo es posible que en un formato de competición musical lo que menos tiempo ocupara fuesen precisamente las canciones? Si zapeabas jamás coincidías con una actuación de coro. Todo eran vídeos de preparativos y clasificaciones provisionales e irrelevantes revestidas de una falsa expectación e intriga.


                    …SOBRE RECONOCIMIENTOS

                    ¿Homenaje en los Goyas?
                    Me pregunto si en el video sobre los que nos dejaron el año pasado, incluirán a la maravillosa Elsa Fábregas, "la voz” española (y catalana) de Vivien Leigh, Elizabeth Taylor, Katharine Hepburn... y otras estrellas foráneas de la pantalla. En un país donde los actores de doblaje llevan el estigma de la competencia desleal, ¿reconocerá la profesión a una compañera que se entregó durante más de medio siglo a forjar tantos mitos del celuloide “invasor”?


                    …SOBRE DENUNCIAS

                    Las acusaciones de plagio a “Acusados”
                    Fundadas o no (que los tribunales decidan), ¿qué más da? Por fin una serie española se toma en serio la planificación y la machacan. Envidia (pecado capital y muy patrio). Lástima que la emita Telecinco, porque esto la ha condenado a ser blanco de las puyas de "Sé lo que hicisteis", que ha propiciado esta campaña. (Seguro que los compañeros de este fantástico programa admiten en la intimidad que les ha dolido tener que hacerlo.) “Acusados” dinamita la media de producciones nacionales, que lindan con la mediocridad. Es una obra de artesanía audiovisual. Cada plano está elaborado. Nada de grabación multi-cámara o iluminación plana. Los encuadres, los escorzos, los juegos de foco, la fotografía... ¡Es cine! El guión es mejorable -cierto- y tiene el handicap –eso sí- de contar con Jose Coronado, un tipo que (independientemente de su talento) serie en la que participa, serie que no funciona.

                    La sentencia a favor de los guionistas-creadores de “Los Lunnis”
                    Mi felicitación para ellos. Su legítima lucha contra el sistema y la usurpación de creatividad ha tenido una justa recompensa… aunque me temo que es La peor buena noticia del siglo.


                    …SOBRE PROYECTOS CINEMATOGRÁFICOS


                    Entre otras muchas cosas...

                    (!)

                    29 ene 2009

                    El jumper de "La Bella y la Bestia"


                    La tradición marca que los cuentos -sobre todo si son de hadas- deben acabar bien. La princesa ha de casarse con el príncipe y estar dispuesta a comer perdices, pese a que la dieta cinegética es como para vomitar. Hasta en la vandálica “Shrek”, la princesa Fiona disfruta de broche nupcial con su príncipe azul (en este caso más bien verde), aunque ambos sean ogros y sienten un peligroso precedente*.

                    Sin embargo, en su trasgresión, los guionistas de “Shrek” son más respetuosos con la coherencia interna de la historia que los autores del Clásico de Disney “La Bella y la Bestia”**, quienes en su empeño por respetar las premisas del género caen sin remedio en la trampa del jumper.


                    EN SITUACIÓN
                    Durante su estancia en el castillo hechizado de la Bestia, Bella acaba descubriendo en aquel monstruo egoísta y arrogante los indicios de un carácter noble aunque amargado, el destello de un corazón marchito pero capaz de amar.

                    ¿A que hacen buena pareja?
                    A base de corregirle los modales, instruirle en protocolo y enseñarle paciencia y valores despierta en su espantoso anfitrión la admiración, la compasión y el enamoramiento. Al mismo tiempo, y sin pretenderlo, se descubre a sí misma atraída por el bárbaro, vinculada a su universo y finalmente enamorada de él.

                    Esa mirada de enamorada... ¡de la Bestia!La muchacha que soñaba con vivir las apasionantes aventuras que había leído en los libros, lejos de la aburrida y convencional vida de pueblo, ve cumplido su anhelo de una forma en que jamás habría imaginado.

                    Y todo gracias a la irrupción de la Bestia en su vida. Aquel monstruo se convierte en su enamorado, su paladín, su alma cautiva a costa de su propia vida y, en última instancia, el materializador de sus sueños. ¿Cómo no caer rendida a sus pies? Son tal para cual, la pareja ideaaal…**.

                    Tras las complicaciones de rigor y el clímax en el tercer acto, distraído por la emoción de volver a ver a su amada, la Bestia es acuchillada por un Gastón arrebatado por los celos y la vanidad y muere (o se desmaya). Entonces el hechizo sobre el castillo y su propietario se rompe. Justo antes de que la rosa pierda su último pétalo la Bestia ha aprendido a amar y es amado por una mujer…

                    Pulsar para ver secuencia
                    ─No, no… Por favor, por favor. Por favor… no me dejes. ¡Te amo!




                    Fenómenos atmosféricos se ciernen sobre el lugar, un tornado hace levitar a la Bestia y la transfigura ante los ojos espantados de la muchacha, devolviendo al príncipe encantado su aspecto humano.


                    EL JUMPER
                    Y entonces surge la pregunta: ¿Qué hace Bella con este apuesto galán en el que se ha convertido la Bestia de dos metros que la ha seducido, protegido y cautivado en todos los sentidos? ¿Cómo reaccionará ahora que ese ser que todos temen y desprecian y al que ella le ha confesado que le ama tal cual es, se ha esfumado? ¿Echará de menos sus rudas pezuñas que la acariciaron cuando bailaban, o su profunda voz que primero la intimidaba y más tarde la hacía sentirse segura?...

                    ¿De dónde salió este guaperas? ¿Será
                    ─Bella… Soy yo.
                    (Bella hace un mohín, toca su cabellera, le mira fijamente a los ojos, los reconoce…)
                    ─Sí, eres tú.
                    (Fuegos artificiales)

                    ¡Lo acepta, sin más! Bella sigue sonriendo cuando la Bestia de la que se ha enamorado desaparece para siempre. Ella, que acaba de llorar desconsoladamente sobre el cuerpo inerte de su amado monstruo, obvia la tragedia de no volverlo a ver, acepta su canje por un príncipe macizo y se entrega a sus brazos depilados y sus besos apasionados.

                    Es algo que tenía que ocurrir, pues se anticipó en el mismo momento en que se lanzó el conjuro. Resulta consecuente que el personal del castillo se alegre de que el aspecto del príncipe vuelva a ser el que era. Además, gracias a la chica, ahora es mejor persona y tiene pareja, así que la felicidad es completa. Pero la muchacha debe reaccionar de otra forma cuando su Bestia se transforma en un tipo “común” que ella no ha visto antes.

                    ¡Pero es que son la misma persona!, argumentarán. ¡Y un cuerno! (en su caso dos). Ahí está el mérito del jumper: en enfatizar la aparente coherencia del relato para que pase desapercibida su discordancia interna.


                    LOS ARGUMENTOS
                    Nos han contado muchas veces amores turbulentos donde los galanes son adonises por fuera y luciferes por dentro. O dramas de ingenuas que se casan con guaperas encantadores que a la postre resultan ser alimañas, cernícalos o sabandijas. Pero ESTA NO ES nuestra historia. No se juzgan aquí la doble moral o la esquizofrenia. La propuesta es:

                    “La belleza está en el interior”

                    Por eso Bella puede superar la barrera del físico y enamorarse de la Bestia, aceptándola completamente. Bella no ama a Bestia para romper el hechizo, o esperando recuperar a un potencial príncipe azul una vez desaparezca el encantamiento. Cuando ella llora sobre su pecho al creerle muerto, no espera que cambie, sólo desea que viva y estar juntos. Esto legitima su amor.

                    Pulsar para ver secuencia
                    ─¿Te has enamorado de ella, Bestia?... ¿En serio creías que ella te querría a ti teniendo a alguien como yo?



                    Gastón da en el clavo: Él es apuesto y valiente; pero Bella le rechaza, porque es bárbaro en su interior; todo lo contrario que Bestia, a la que la muchacha sí entrega su corazón. Interior y exterior están conectados, pero por contraste: Cuando la hechicera maldijo al príncipe, éste era guapo, aunque su corazón fuese déspota y arrogante. Al final de la película se han girado las tornas: ahora un ser de aspecto monstruoso atesora un corazón hermoso que ama y es correspondido. Si ahora la Bestia se transforma en algo bello exteriormente la coherencia interna del relato se tambalea.

                    Si la belleza está en el interior (y Disney se encarga de realzarlo a base de números musicales -extraordinarios, por cierto- de Alan Menken) debe permanecer ahí, aunque para ello haya de modificarse la narración. En una versión coherente del argumento Bella se casaría con la Bestia y, a pesar de su monstruoso aspecto, vivirían felices juntos.

                    Antes citaba "Shrek". Allí Fiona acaba siendo lo que en realidad es: una ogra (y en la secuela la reina debe compartir –y comparte- lecho con un sapo). En el film de Disney pervierten la naturaleza del amor fidedigno transformando a la Bestia en un príncipe “de cuento”. Y pasan de puntillas sobre esta paradoja hasta el final, donde se contradicen una vez más cuando el film concluye con la pareja sobre la pista de baile y un coro entonando el tema principal:

                    En ningún cartel promocional aparece la figura humanizada del príncipe-Bestia. ¿Por qué hemos de tragárnoslo en la apoteosis final?
                    “No hay mayor verdad: la belleza está en el interior… Nace una ilusión, llena de emoción. Bella y Bestia son.”
                    ¿Bestia? Yo no la veo por ningún sitio. Esto enlaza con el segundo argumento:

                    “Bella y Bestia son”

                    Si algo tiene de genuina esta historia son sus dos protagonistas: una muchacha y una bestia. Son estos dos personajes -y no otros- los que se enamoran. Si fuera un romance convencional el film podría haberse titulado “La maldición del príncipe arrogante” o “Hasta el último pétalo”, pero no de una forma tan explícita: “La Bella y la Bestia”.

                    Los protagonistas no se conocen antes de la maldición, como ocurre en otros cuentos de hadas (“La bella durmiente”, “Blancanieves”…). No estamos, pues, ante un relato de recuperación de la persona amada, sino de construcción de una pareja.

                    El prota... ¡Lo hacen desaparecer!
                    Y dentro de la pareja, Bestia es el protagonista principal de la historia y Bella es el catalizador de la misma. El relato arranca con la Bestia-príncipe. Su aspecto es humano, pero la bruja viene a evidenciar con su maldición que ya es una Bestia en su interior. (Volveremos a esto más tarde.)

                    La Bestia es el personaje sobre el cual pivota la historia. Es su tragedia, su conflicto y su evolución como personaje lo que se nos narra. Bella cumple un papel crucial pero complementario, ya que es la que provoca el cambio de suerte del protagonista y hace avanzar la historia al ser la única "capaz de amar a una Bestia".

                    Cuando el hechizo se rompe sucede lo previsible, pero en el camino se produce una pérdida imperdonable:

                    ¿A quién le importa este mindundi? Es más: ¿le importa a Bella?¿Qué fue de la Bestia como personaje? Es el héroe de la historia, la estrella de la película. Su nombre encabeza los títulos, su imagen está omnipresente en el cartel y la publicidad del film.

                    Disney se ha forrado con el merchandising del monstruo peludo. ¿Cuántos muñequitos del príncipe "impostor" habrá vendido? ¡Y sin embargo es el guaperas quien se lleva a la chica!

                    Bestia tiene que aguantar toda la película siendo un animal y cuando consigue besar a la chica le volatilizan. ¿Por qué le roban al protagonista la mejor secuencia? Y si tiene que ser así (porque la maldición ha desaparecido y todo vuelve a su lugar), ¿por qué no inventan algo para que la Bestia se reivindique? ¡Ha conseguido enamorar a Bella! ¡Con su planta eso tiene mucho mérito!

                    Incluso en la secuela los guionistas se vieron obligados a sumergirse de nuevo en el periodo de estancia de Bella en el castillo (junto a Bestia), pues una continuación sin el protagonista era sencillamente imposible. ¿A quién iba a importarle un día después de Bella con el mindundi de la melena cobriza?

                    Cuando sube la música y la Bestia desaparece uno no puede más que empezar a echarla de menos y, de paso, cogerle manía a este príncipe de cartón piedra. ¿Qué vida le espera a Bella ahora que Bestia no está? Los guionistas se escaquean, pone el piloto automático y apuestan por que se cumpla lo estipulado en el hechizo.

                    Lo que nos lleva al tercer y último argumento:

                    El enunciado de la maldición

                    Ahí radica el problema:


                    En otras palabras, y como literalmente recogen en la secuela del film:
                    ─Hasta que encuentres a alguien que te ame tal como eres permanecerás para siempre como una Bestia.

                    Si Bella llega a amar a Bestia “tal como es”, en cuanto cambie y deje de ser lo que es, Bella dejará de amarle (al menos cabe esa posibilidad). Esta paradoja distorsiona el argumento. Los guionistas podrían haber metido mano y reformular la maldición, de modo que hubiéramos seguido disfrutando de Bestia sin el problema de su transmutación en individuo que no nos seduce (aunque se fuerce que Bella está encantada con el cambio).

                    Bella podría sorprenderse (Así que ésta es tu verdadera imagen), vacilar (¿Eres ahora “mi tipo”?), interrogarse (¿Podré acostumbrarme a verte con esa pinta? ¿Echaré de menos lo que ayudó a que me enamorase de ti?...) Para los guionistas, en cambio, a Bella no le importa asumir automáticamente la “belleza” que ha adquirido su amado por arte de magia (literalmente).

                    Por no solucionar este problema el film genera un puñado de mensajes subyacentes: “Ama de verdad y al final todo se arreglará”. “No te importe enamorarte de una fealdad; ya cambiará y se volverá hermoso”. “Busca la belleza que está en el interior y acabarás con alguien bello por fuera también...”


                    CONCLUYENDO…
                    Lo que en la película se interpreta como un apoteósico e idílico final, podría ser, visto así, un gatillazo, o el gran destrempe. Ahí está muchas veces el mérito del jumper: que hace pasar desapercibido el detalle que podría tumbar la historia.

                    A tenor de lo expuesto, ¿cómo debería haber acabado la película? Haz tus propuestas:

                    POSIBLE PRÓXIMA ENTREGA: El jumper de “El piano”


                    NOTAS:
                    *Lo de “peligroso” lo digo por la cantidad de películas de dudosa calidad nacidas a su sombra y cuya excusa es que son pretendidamente iconoclastas.
                    **Aviso para tiquismiquis: Juzgamos la película como una propuesta independiente, eludiendo cualquier referencia a sus precedentes.
                    **Sí, sí; se lo he plagiado a Mayra Gómez Kemp.


                    27 ene 2009

                    Mancos (con truco) [8-10]

                    ─Tienes menos puntería que un arquero manco.

                    Daniel JándulaTercera entrega de la lista de mancos cinematográficos. Esta vez con un trío preparado por un lanzado Daniel Jándula. A ver cuántos os animáis a imitarle y ampliar este inventario cinéfilo.

                    Recordar que sólo podré publicar fichas que respeten el modelo creado al efecto.


                    Personaje: Frederick Sykes
                    Film: "El fugitivo" (1993)
                    Intérprete: Andreas Katsulas
                    Amputación: Una bomba (o eso dice él)
                    Prótesis: brazo ortopédico del tipo híbrido (algo por lo visto difícil de encontrar)
                    Sosias: El luchador manco de las pelis de Yu Wang (1971 y 1973). No sólo comparten destreza con el brazo ortopédico; también llevan el mismo reloj.
                    ¡Esa mano!: En este caso la prótesis proporciona una pista crucial para la resolución de la trama.
                    Agregado por: Daniel Jándula (también Soldado Raso)


                    Personaje: Harry Goldfarb
                    Film: "Requiem for a dream" (2000)
                    Intérprete: Jared Leto
                    Amputación: Cirugía (para atajar una gangrena)
                    Prótesis: No sabemos si acaba usando una.
                    Sosias:
                    ¡Esa mano!: Quizás es la secuencia más fuerte e impactante de toda la cinta. Un momento realmente conmovedor y triste, echando mano (lo sé, es un chiste muy fácil) de la sinceridad dentro de una película demasiado artificiosa.
                    Agregado por: Daniel Jándula


                    Personaje: John J. MacReedy
                    Film: "Conspiración de silencio" (1955)
                    Intérprete: Spencer Tracy
                    Amputación: Desconocida
                    Prótesis: Ninguna, pero con una mano va sobrado.
                    Sosias: En cuanto a la forma de llevar el muñón, el bandido herido por Tuco al comienzo de "El Bueno, el Feo y el Malo". Aquí acaba el parecido, porque éste no tiene tanta mano izquierda como MacReedy.
                    ¡Esa mano!: Memorable aunque olvidada película en la que todos, manco incluído, tienen algo que ocultar. Cada vez que el protagonista alza la mano que le queda nos sobrecogemos, porque puede pasar de todo.
                    Agregado por: Daniel Jándula


                    otros mancos (con truco) [1-4] / [5-7]
                    por un puñado de puños
                    juego puñetero