Quantum of Covers

¿Es que no estrenan ningún otro film en noviembre?

"Mi nombre es Bond, Spam Bond."

Monty Python: Arte y Spam

En cierto "concurso" de blogs se ha suscitado una gran polémica por el uso indiscriminado de SPAM por parte de algunos candidatos. Los foros están al rojo vivo y las conversaciones giran de forma recurrente en torno a este asunto. Muchos saben que el origen del significado actual del término "spam" no se gestó en el ámbito en el que se ha hecho popular: Internet, sino que procede del mundo del espectáculo televisivo: un genial sketch de "Monty Python's Flying Circus". En él los diálogos se ven continuamente bombardeados por el uso indiscriminado que la camarera hace de la palabra "spam" (genérico de una carne enlatada al que le confirieron un nuevo sentido). De ahí que la versión musical del film "Los caballeros de la mesa cuadrada" la haya integrado en su título.

Y ahora que el musical "Spamalot" triunfa en la cartelera barcelonesa, aprovechamos para recordar que, además de artistas (y reformuladores de celebérrimas palabras), los componentes del grupo británico más famoso de la historia -con el permiso de The Beatles- han servido de inspiración para otros creadores.

Os invito a completar esta selección con otras obras artísticas inspiradas en los chicos que re-inventaron el concepto "SPAM".

john cleese, by bmr102 y gali

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graham chapman, by BroMaynardG

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eric idle, by David S. Ramsay

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michael palin, by modigliani

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terry jones, by Heidi Harrington

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terry gilliam, by Eddy Briere

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Pringados por exigencia del guión / 1

Una cosa lleva a la otra. Repasábamos el otro día a las chicas de oro del cine y la televisión, a sus cuerpos desnudos con pátina dorada o mallas translúcidas plagadas de centelleantes lentejuelas. Pero como recordaban atinadamente algunos comentarios "no es oro todo lo que reluce", ni tampoco ─añado─ todo lo que se aplica sobre los sufridos intérpretes para caracterizar a sus personajes o hacer avanzar el drama. Como la ocasión la pintan calva, vamos a iniciar una serie de artículos donde analizaremos los distintos elementos, fluidos y potingues con que los departamentos de maquillaje castigan al más pintao.


LA PINTURA COMO GAG

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Desde sus inicios en silencio el cine quiso explotar la hilaridad que produce embadurnar al personal con los más variados ungüentos; a mayor densidad del líquido, mejores risotadas. El clásico cubo de pintura que espera sobre la puerta entreabierta para derramarse sobre el ingenuo que la traspase sigue siendo efectivo aún entre el público infantil (Sólo en casa, Pipi Calzaslargas). También funciona el recurso de atravesar a gran velocidad una estantería de botes de colores, como hace Jackie Chan en su versión de La vuelta al mundo en 80 días o los Blues Brothers en Granujas a todo ritmo, destrozando un almacén gigantesco para recocijo de los amantes de la acción. Últimamente ha ganado adeptos el efectivo "paint-ball", juego donde los contendientes se ametrallan con balas de pintura, ya sea como experiencia de flirteo (10 razones para odiarte) o para dar rienda suelta a la mala leche (Escuela de pringaos). En ambos casos la risa suele estar garantizada.


LA PINTURA COMO CASTIGO

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La vengaza es un plato que se sirve frío y, en la pantalla, también en formato líquido, preferentemente gracias a colorantes ocultos en la alcachofa de la ducha. Lo utilizan personajes despechados para vengarse, como el joven escritor de talento al que un productor sin escrúpulos le ha robado su guión (Gordo mentiroso), o adolescentes descerebrados por puro gamberrismo (Porky's).


PIZARRAS HUMANAS

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A falta de powerpoints y rotuladores Velleda, los entrenadores de gladiadores utilizaban los pectorales de Kirk Douglas en Espartaco para aleccionar a los esclavos sobre las zonas de ataque en las peleas cuerpo a cuerpo. En Waterworld una niña lleva inscrito en su cuero cabelludo el dibujo que todos ambicionan, pues indica las coordenadas de la tierra seca. Una versión extrema y muy sofisticada del pergamino epidérmico es el cuerpo tatuado de Michael en Prison Break.


PINTURA BIOGRÁFICA

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Pero generalmente la función dramática de los tatuajes en el cine es caracterizar al personaje. Unas veces se necesita recargar la piel desnuda para mostrar una inquietante crónica vital (Robert de Niro en El cabo del miedo o Brad Pitt en El club de la lucha) y otras basta con seleccionar el símbolo adecuado que no ofrece lugar a dudas (la svástica de Edward Norton en American History X o el número 666 en el anticristo de turno).


PINTURAS DE GUERRA

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Los guerreros utilizan pinturas de camuflaje para confundirse con el entorno, ya sean soldados de élite (Lágrimas del sol, Depredador...) o indios del Amazonas (La selva esmeralda). Godard pintó a brochazos el rostro de Jean Paul Belmondo en Pierrot el loco y Mel Gibson optó por el blanquiazul cuando rodó Braveheart para regocijo de los periquitos y pavor de las tropas inglesas que sucumbieron a su espada. Antes que él, el Western ya nos había mostrado que, junto a los tambores que no cesaban de sonar en la víspera de la batalla, los rostros pintados de los sioux daban mucho miedo.


PINTURA IDENTITARIA

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Como los pieles rojas, el Joker recreado por Heath Ledger pintarrajea su rostro lacerado a sabiendas de que le garantiza un aspecto intimidatorio. Si la faz es el espejo del alma, los colores que le identifican no podían ser otros que los de la baraja: negro, rojo y blanco. El villano de El caballero oscuro usa su cara entintada como carta de presentación, pero al falso predicador de La noche del cazador (Robert Mitchum) le basta con hacer caligrafía en sus nudillos para meter el miedo en el cuerpo.


PINTURA ENCUBRIDORA

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Al contrario de todos ellos James Stewart quiere pasar desapercibido en El mayor espectáculo del mundo. Huye de la justicia por haber practicado la eutanasia a su esposa y escoge el mundo del circo para ocultarse tras el rostro hiper maquillado de un payaso. Aunque la naturaleza de los cosméticos es realzar la propia imagen, con frecuencia el cine recurre a ellos como método de ocultarla; casi siempre para salvar el pellejo (ese que se agazapa bajo la capa de pintura).


PINTURA CLASISTA

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Mientras la aristocracia se empolva la cara y ribetea sus labios con carmín (Barry Lyndon), el populacho se la ensucia de cal y carbón. Ver a Glenn Close en Las amistades peligrosas desmaquillándose frente al espejo, en silencio, es contemplar a cara descubierta el estrecho vínculo entre pintura y humillación. En Apocalypto Mel Gibson recurre una vez más al azul para marcar como piezas de ganado a los derrotados que van a ser sacrificados a los dioses.


PRÓXIMAS ENTREGAS:

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PRINGADOS POR EXIGENCIA DEL GUIÓN

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1 / con pintura - 2 / con sangre

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3 / con barro, polvo y arena - 4 / con excrementos

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5 / con metales y minerales - 6 / con babas y otros fluidos

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7 / con bichos y bichejos - 8 / con pieles, plumas y pelo

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9 / con alimentos y flores

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10/ con otros materiales y potingues

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Betancourt y el círculo vicioso de la indiferencia

Creo que hoy "toca" escuchar a Ingrid Betancourt en su discurso durante la ceremonia en la que se le entregó el Premio Príncipe de Asturias de la Concordia.

Betancourt pide que "busquemos juntos los tesoros", y sin duda sus palabras son algo valioso para compartir; aqunque sintamos que atenten contra la tranquilidad de nuestra indiferencia, esa fatalidad que ella denuncia al tiempo que anima a erradicar de los corazones; pues es allí, en lo profundo, donde comienza la transformación que consideramos imprescindible.

NOTA PARA LOS INQUIETOS: Si no dispones de 25' para limitarte a escuchar y sentir, puedes ir directamente a cualquier otro contenido que ofrece este blog. La navegación es libre.

Kate Moss y la dorada desnudez

“Statuephilia” es el nombre de la muestra de escultura contemporánea que acoge el Museo Británico de Londres hasta el próximo enero. La pieza más llamativa de la exposición es una figura a tamaño natural de Kate Moss, y no por su pose ensortijada, sino porque el artista Marc Quinn la ha realizado en oro macizo. Su “Sirena”, que es el nombre oficial de la escultura, está valorada en unos dos millones de euros. La pieza sugiere todo tipo de reflexiones (que no me resisto a publicar más adelante); pero hoy me conformo con apuntar que la efigie dorada de la top model me remite a la mítica Shirley Eaton y su imborrable huella en el imaginario cinéfilo.

De todos los momentos clásicos del universo “bondiano”, quizás el del agente 007 descubriendo el cuerpo desnudo de Jill Masterson es el más recordado (con el permiso de Ursula Andress y su bikini emergiendo del océano, por supuesto).


James Bond encuentra el cadáver de la chica, que ha muerto asfixiada tras haber sido embadurnada de oro por Oddjob, el sicario de Goldfinger. Poco importan los risibles debates suscitados entonces sobre el rigor científico del procedimiento empleado en el asesinato. Su dorada desnudez se convirtió de inmediato en un icono cinematográfico de primer nivel.

La imagen tuvo tanta repercusión que hasta algún productor espabilado se atrevió a rodar una película que titularon “Golden Lady”, con una tal Christina World, a la que no tuvieron mayor reparo en publicitar como “la James Bond femenina”, por si la conexión no quedaba clara.

Otra a la que no se le caen los anillos para promocionarse a toda costa es la inclasificable Paris Hilton, que (como tantas otras) accedió a posar al estilo Goldfinger para una marca de cosméticos, ¿o era de joyas? ¿o una bebida?... No importa, fuera lo que fuere la campaña fracasó, dado que resulta imposible recordar la marca. Es el peligro de recurrir a la dorada desnudez como reclamo.


A quien no le salió mal de todo fue a la Academia de Hollywood, al diseñar su deslumbrante premio: el Oscar, que como todo el mundo sabe va en pelota picada. A cuento de qué viene si no que un galardón cinematográfico porte una espada tan estratégicamente dispuesta.


Tampoco pueden quejarse los creativos que inventaron para Freixenet a las navideñas y doradas burbujas. Claro que es su caso el erotismo es más recatado (será por las fechas). Todo lo contrario de las “Showgirls” de Paul Verhoeven, Elizabeth Berkley y Gina Gershon, bañadas en oro y purpurina y también aficionadas a las burbujas, pero de los jacuzzi y no tanto de los vinos espumosos o el cava catalán.

Ya puestos no olvidemos a Zhora (Joanna Cassidy), la replicante cabaretera de "Blade Runner", que con un papel tan corto como el de Shirley Eaton en "Goldfinger", consiguió su momento de gloria gracias, no a la habilidad de su doble en atravesar escaparates partiéndose literalmente la cara, sino a su singular vestuario de lentejuelas doradas.

Total, que Hollywood y el showbusiness en general han manifestado claramente su afición por los cuerpos dorados y, a poder ser, desnudos. Y si el presupuesto no da para el oneroso baño el oro, no hay nada mejor que un buen bronceado –que diría Quique Guasch- a excepción del milagroso Photoshop.

Aunque si quieren que les diga la verdad, para mí, las chicas a las que mejor les sienta el dorado ─y sin necesidad de quitarse la ropa─ son las irrepetibles “Chicas de oro”.

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Finalistas La película del mes "Green Lake" / 1

La suerte está echada y ya tenemos sinopsis ganadora del concurso. Como imaginaba la decisión resultó difícil; pero ha sido tan estimulante la participación que no puedo hacer otra cosa que reconocer el esfuerzo de quienes han enviado sus propuestas. Es por ello que voy a publicarlas en los próximos días, reservando para el final la que se lleva el gato al agua, o el crédito en el cartel.

Os presento las primeras dos sinopsis finalistas. Espero que, como yo, disfrutéis con su lectura y os anime a participar en futuras convocatorias.

SINOPSIS original de El Ratón Tintero

De la productora cinematográfica de Leslie Nielsen recibimos una segunda entrega con el mejor de los thrillers, después de “Dueños del sendero”, demostrando una vez más que son capaces de tocar con éxito todos los géneros. El film comienza de nuevo con un sendero, pero esta vez el que conduce a una pequeña laguna llamada Green Lake, laguna que toma su nombre del reflejo de las verdes montañas que la rodean. Y esta vez también tenemos dueños, en este caso una sola dueña; la excéntrica tía Samantha, hallada muerta en su magnífica mansión, situada en la orilla de las plácidas aguas verdes. Sin duda la habitante más rica, y a la vez desconocida, en la pequeña población de Green Lake Village. Su sobrina Ann Darrow (Naomi Watts) viaja desde Chicago para los funerales y lectura de testamento, con la sorpresa de encontrarse allí a su exmarido Jack (Edward Norton), llamado también por el albacea testamentario. La tía Samantha dejaba últimas voluntades difíciles de cumplir. Ambos, Ann y Jack, si querían heredar, antes debían encontrar a Elsa, la única hija que tuvo tía Sam, y compartir la sustanciosa herencia a partes iguales con ella. El que fue su marido, Woody, se la llevó en su día, borrando todo rastro tras ellos. Con toda seguridad se habrían cambiado sus nombres, pero contaban con dos pistas a seguir: un revólver que le pertenecía y olvidó en su huída; y por otro lado el único medio con el que se podía ganar la vida, como era tocar el clarinete en algún bar underground. ¿Serían capaces de limar asperezas para tamaña labor conjunta?, ¿Tramaría el astuto Jack un plan que lo beneficiara sólo a él?, ¿Caería Woody en la trampa de reconocer su revólver como prueba que lo identifica?, ¿Cuál sería la razón por la que se alejó de su mujer con su niña pequeña?
Las respuestas a estas preguntas, y muchas más, las tendremos al final de esta trepidante película; después de la carrera por encontrar dos personas para conseguir dos fortunas.

Entre otras cosas, valoro… que ha optado por un estilo directo, casi publicitario; el esfuerzo por dejar constancia del vínculo entre este film y el (imaginario) anterior ya planteado en el cartel; la justificación del título, guiños del argumento como el clarinete o los nombres de los personajes… Buen trabajo, Ratona !)

SINOPSIS original de Kowalski

Dos presuntos desconocidos, un hombre y una mujer, se cruzan en un bar de carretera. Ella, Stephanie North (Naomi Watts), lleva dos días fuera de su lugar de residencia, la República de Laguna Verde (Green Lake), una micronación situada en el estado de Florida en una zona rodeada de pantanos y resguardada por un alto muro. Seth Robson (Woody Allen) dirige con mano de hierro una comunidad formada veinte años atrás, junto a su mano derecha, la rígida Lucía Patterson (Elsa Pataky), con el objetivo de mantener la pequeña sociedad alejada lo máximo posible del resto del mundo. Stephanie, después de ganarse la confianza de Seth, ha salido de Laguna Verde con la misión de realizar compras de productos imprescindibles (básicamente, medicamentos), aunque su verdadero objetivo es hacer llegar a Eric Donahue (Edward Norton), un asesino a sueldo, un mapa con el camino hasta Laguna Verde y con la localización de su depósito de agua (en la República no hay agua corriente) para envenenar a un grupo que, tal como le cuenta Stephanie a Eric, ha perdido su razón de ser, al haberse transformado de un entorno de libertad a una verdadera dictadura. A cambio del mapa, Stephanie recibe un revolver de manos de Eric. El plan es que Eric acabe con la vida de los habitantes y Stephanie con la suya propia, pero cuando Eric se adentra en Laguna Verde alguien detecta su presencia. Stephanie tampoco usa el revolver para lo que Eric pensaba y lo que en un principio parecía el encargo de un asesinato en masa se transforma en el ataque de un grupo olvidado desde hace dos décadas hacia el exterior…

Entre otras cosas, valoro… la apuesta por conjuntar reminiscencias de clásicos contemporáneos, como “El bosque” de Shyamalan y “Perdidos” (ese Seth Robson me recuerda al inquietante Ben Linus), con masterpieces legendarias: “Los siete samurais”, con un punto apocalíptico que se promete bizarro y deja todo a la imaginación del espectador. Kowalski: te lo has currao !)

Sí a la crisis (2)

Claro que sí. Piensen en el cine: que las grandes superproducciones hagan dinero después de invertir onerosamente en el empeño no es noticia, ni siquiera es meritorio. Fracasar con tamaño despilfarro sí lo es. En cambio, qué admirable es hacer buenas películas con cuatro duros, impactar a las masas con un film modesto, sin pretensiones económicas pero echando el resto en imaginación. La noticia que da la vuelta al mundo es la forma en cómo ha conmovido el film independiente, underground o semiprofesional frente a los blockbusters de los grandes estudios.

El año pasado el Óscar a la mejor canción se lo llevó “Once (Una vez)”, una peliculita irlandesa, un musical “doméstico” rodado con cámara a hombro y casi sin iluminación, pero con una capacidad de hipnotizar al personal que pasaba la mano al aparatoso despliegue de producciones de Disney o Bollywood.

En este país el cine está cuestionado, la televisión también. ¿Cuál es el problema? ¿Falta de guionistas, de buenas historias? No. Demasiado dinero. Y no precisamente bien distribuido: amiguismos, subvenciones, cuotas, favores, derechos de antena… Uno de los formatos más rentables en televisión son los zappings. A prácticamente coste cero. Y a la gente les encanta. Además es pura televisión, endogamia catódica.

Extrapolemos a la vida cotidiana y veremos que la crisis -si somos inquietos- puede resultarnos muy útil. Para un país adormecido en los laureles del aburguesamiento, fundamentado en pilares de barro, indolente al prójimo y esquivo al esfuerzo la escasez puede ayudarle a repuntar. Y digo escasez con cierta ironía, pues nos estamos abonando a la depresión porque nos suben el precio de los limones, cuando más allá del Mare Nostrum la gente no tiene agua corriente, ni cosechas de arroz para consumo humano porque se lo llevan todo los bio combustibles.

Aquí, en época de estrecheces, un tipo ingenió la fregona; y otros el chupachups y el futbolín. Por no hablar del turismo, ese gran invento que predicaba Paco Martínez Soria. Después España empezó a ir bien y ¿cuál es su gran contribución a la sociedad? ¿Los radares de carretera?

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Este artículo complementa a: Sí a la crisis (1)

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las ilustraciones son de russ mills

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El reflejo siniestro

A pesar de la multitudinaria marcha de muertos vivientes por las calles de Sitges, este año los protagonistas del Festival Internacional de Cinema de Catalunya no han sido ni zombies, ni monstruos, ni fantasmas (aunque haberlos los ha habido). Han ganado por “fantástica” goleada los espejos, un elemento común a muchos films y que ha sido utilizado de forma recurrente para levantar de las butacas a los sufridos (y en cierto modo masoquistas) espectadores.

El terror ante la imagen reflejada, la angustia ante la que no se refleja, el pánico ante lo que se oculta agazapado al otro lado... La fascinación cinematográfica por los espejos se pone de moda; pero no en su vertiente estética sino buscando y regodeándose en sus aspectos más siniestros: Objetos inquietantes, accesos a dimensiones oscuras, malévolos retratos del alma humana, superficies convexas que reinterpretan una realidad sangrienta… El mal, el enemigo, presencias hostiles atrapadas en ellos, sombras que acechan al otro lado. Espectros que los hacen añicos para atemorizar a las personas, criminales que utilizan esos mismos fragmentos para quitar la vida con saña o indiferencia.


El film que inauguró el certamen se convirtió en toda una premonición: “Mirrors” (literalmente espejos, aunque la película se exhibe aquí con el título de “Reflejos”). En los días posteriores llegaron otras propuestas: “Dante 01”, “The Broken”, “Prime Time”, "Synecdoche, New York”, “Intrusos en Manasés”, "Sexykiller", “Anamorph”… Tan distintas entre sí, pero compartiendo una extensa colección de reflejos con muy mala uva.

Puede que sea una coincidencia. O no. Un festival es un escaparate de lo que se cuece en la industria del cine a escala mundial y, por lo visto, más allá de los géneros, las historias y los recursos económicos, los cineastas coinciden en que si se trata de dar miedo los espejos funcionan.

¿Nos avisan desde la pantalla de que el peor enemigo del hombre es el hombre? ¿Nos devuelven los espejos una imagen distorsionada o reflejan nuestra auténtica (y perversa) naturaleza? ¿Quién es más real: el que se mira o el que le mira? La metáfora es sugerente: si hay que tener miedo a algo, empecemos por temernos a nosotros mismos.

"─Por más que intentes evitar tu imagen en el espejo ésta te mira siempre directamente a los ojos."

EL CORAZÓN DEL ÁNGEL

CINE Y ESPEJOS

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frente al espejo: actrices, cineastas

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el reflejo siniestro

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welles, groucho y otras secuencias míticas

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función dramática del retrovisor

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espejitos y espejismos

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para qué sirve un espejo

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El Cine, los pianos y la vida

Cuando Rachel (Sean Young) visita el apartamento de Deckard (Harrison Ford) y observa las fotografías del blade runner sobre el piano, su mano se desliza suavemente sobre las teclas y empiezan a tocar una triste melodía. La música atrae al policía hasta la mujer replicante y evoca recuerdos de una vida... ¿injertada? Muchos cineastas han utilizado esta capacidad de evocación y de simbiosis del piano con el ser humano para hablarnos de la vida y de la muerte. He aquí algunos de esos momentos de conexión vital:

QUITARSE LA VIDA (El Piano)

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Ada (Holly Hunter) es una isla, cercada por el océano de los sonidos. No puede hablar, lo que no significa que no pueda expresarse. Su piano son sus labios, las notas sus palabras, las melodías sus sentimientos. El piano es su vida, hasta el punto de que desea morir con él. De modo que cuando lanzan el pesado mamotreto al fondo del mar, Ada enrosca la soga en su tobillo y se deja arrastrar a las profundidades para permanecer ligada a su vida más allá de la muerte.

SALVAR LA VIDA (Poseidón)

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Cuando una ola gigantesca voltea al trasatlántico, y el mundo se vuelve del revés, el pequeño Conor (Jimmy Bennett) consigue refugiarse en la panza del piano de cola, que resiste fijado al suelo (ahora el techo) hasta que logran sacarlo de allí. Otros no ha tenido tanta suerte y han muerto violentamente al precipitarse contra las claraboyas o aplastados por los muebles que no estaban sujetos. En su predecesora "La aventura del Poseidón", un desdichado moría prensado precisamente por el piano de cola que rodaba sin control. El remake introdujo el factor de corrección... y poca cosa más a destacar.

JUGARSE LA VIDA (El pianista)

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Milagrosamente Szpilman (Adrien Brody) sobrevive a todos sus amigos y familiares en una peripecia cruel y deshumanizadora. Está solo, enfermo, abatido. Frente a él un piano que se muere por tocar para recuperar la felicidad del pasado. Titubea y se lanza a interpretar apasionadamente una pieza. El patio de butacas se llena de espanto. Tocando así va a delatarse y correrá la misma suerte que los demás a manos de los nazis inmisericordes. La cámara enfoca sus manos, que se mueven frenéticamente a escasos milímetros de las teclas. El pianista vuelve a tocar, pero el piano no suena más que en su cabeza. Unos años más tarde, Wladyslaw es sorprendido en una casa abandonada por un oficial alemán que le pide que toque. El pianista interpreta su propio Requiem, pues es obvio que será lo último que haga en esta vida: cuando acabe de tocar el oficial le disparará. La música adquiere una dimensión trágica. Szpilman sabe que es el final y se entrega en cuerpo y alma a una intensa fusión de sentimientos con el instrumento. Pese a que la muerte aguarda, se convierte en una liberación, una concatenación sonora de miedo, odio, hambre y dolor. Sin embargo, la melodía conmueve al oficial y la tensión se prolonga, como la supervivencia del pianista, hasta límites insoportables.

HASTA QUE LA MUERTE NOS SEPARE... SI ES QUE PUEDE (La leyenda del pianista del oceano)

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Como Spilzman, Danni Boodmann toca de memoria, golpeando el aire con sus dedos unos centímetros por encima de las teclas. Oye la música, aunque no suene. Y como Ada también elige morir junto a su instrumento. Entre ellos existe un cordón umbilical invisible que ni la muerte puede escindir.

APROVECHAR LA VIDA (Atrapado en el tiempo)

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Tras el gamberrismo inicial, repetir una y otra vez el mismo día se convierte para Phil Connors (Bill Murray) en una maldición... Hasta que descubre, entre otras cosas, las ventajas del capricho temporal. Empieza a tomar clases de piano y hace realidad uno de sus sueños... lo que le convierte en otra persona, aquella de la que sí se enamorará la chica que se le ha resistido mientras seguía siendo un auténtico capullo. Entre la primera escena (con gag final) y la segunda (con jam session) se enmarca una auténtica renovación vital.

RECUPERAR LA VIDA (The Majestic)

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Cuando todo el pueblo obliga a Peter Appleton (Jim Carrey) a subir al escenario y ponerse frente al piano, éste no recuerda si sabe tocarlo o no. Sospecha que no es quien los demás creen que es, pero un accidente le ha producido amnesia orgánica y ha sembrado de dudas su identidad. Teme decepcionarlos y al principio ocurre, pues apenas sabe aporrear unas teclas que se le resisten. Sin embargo, las notas llegan a su cabeza y los dedos empiezan a moverse solos. Appleton ha recuperado un don que desconocía y el pueblo de Lawson vuelve a sonreír y a bailar.

CAMBIAR DE VIDA (Danny the Dog)

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Danny (Jet Li) es un esclavo, un perro, un asesino. Su dueño le tiene atado con un collar que sólo le quita cuando le ordena un ataque letal contra sus enemigos. Pero un día Danny conoce a un afinador de pianos ciego que le abre los oídos a la música, los ojos a la verdad y el corazón al amor. Junto al anciano y su ahijada, Victoria, Danny descubre que su fascinación por los pianos procede de un suceso trágico en su infancia que marcó su vida y le convirtió en lo que no es. Ahora tiene la oportunidad de redimirse.

Otros pianos (y órganos) marcaron la vida de ilustres personajes de la historia del cine, como los diversos fantasmas (de la ópera, del paraíso...), o el Capitán Nemo ("20.000 leguas de viaje submarino"), recluidos en sus cámaras secretas para traducir la amargura de sus corazones en fúnebres melodías. Todo lo contrario de August Rush, el niño prodigio que interpreta música emotiva y cargada de energía positiva para que sus padres (a los que no conoce) la oigan allí donde estén y vengan a buscarlo.

© (!) hombre perplejo, 2008

Sí a la crisis (1)

Hagámonos los tontos: Tanta insistencia con lo del "Finançament" y a ver si es lo mejor que nos podía pasar. No entro en si es de justicia o no lo que se exige al Gobierno central, ni si se trata de cumplir la ley o la palabra dada. No me interesa. Todo lo que dependa de los políticos se me antoja irrelevante. En Catalunya llevan más de una década distrayendo al personal: que si el Estatut, que si el Tripartito, que si el Finançament… Y mientras, el país quedándose sin agua y la crisis económica abriéndose hueco (socavón, más bien) sin que se dieran por aludidos.

Por lo que a mí respecta, los políticos son personas –que lo son- que hacen de todo menos su trabajo: gobernar. Y ahora me temo que van a empezar a predicarnos el evangelio del arrimar el hombro y apretarse el cinturón. Pero ¿con qué autoridad van a pedirle esfuerzo y sacrificio a un desempleado ellos, que tienen garantizado su puesto de trabajo para los próximos catastróficos años?

En fin, que ya que no debemos esperar mucho de ellos, al menos sí podemos esperar algo positivo de la crisis. Porque es precisamente en estos momentos cuando se despierta el ingenio, florecen las ideas y emergen soluciones prácticas a problemas muy reales. Cuando no hay dinero hay que buscarse la vida. Siempre que ha ocurrido se producen los milagros. Cuando las arcas están repletas el dinero se desperdicia, se desvía, se gestiona mal y con temeridad. Y las Administraciones Públicas son, paradójicamente, las que peor administran.

Nuestros políticos piensan que para crecer y prosperar Catalunya necesita más dinero. Yo creo que, para empezar, lo que necesitamos son mejores políticos. Unos que apoyen la creatividad, que incentiven a los talentosos, que premien a los buenos administradores. Hay que buscar a la gente que hace las cosas por menos dinero pero mejor.


Quisiera ver planes para apoyar buenas ideas que ayuden a crecer con menos, a prosperar con lo que hay, a gestionar mejor los recursos, a resolver problemas reales y no entelequias políticas. Con este tipo de políticos igual la crisis hasta nos va a bien y todo.

Continúa en: Sí a la crisis (2)

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las ilustraciones son de russ mills

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VISITA GUIADA

¡Bienvenidos al blog de (!) El hombre perplejo!

A quien pueda interesar, aquí ofrezco una muestra de lo que suelo hacer desde hace año y medio. Pulsar sobre el contenido que interese para ver un ejemplo, y sobre (otro ejemplo), pues eso, para ver otro:

• Colecciono curiosidades en los carteles de cine (otro ejemplo)


• Observo la actualidad y la reflejo a través de imágenes cinematográficas (otro ejemplo)


• Muestro de forma amena el valor que el cine da a objetos cotidianos (otro ejemplo)


• Invento carteles de películas relacionadas con los temas que trato (otro ejemplo)


• Juego con el lenguaje para divertirme y divertir a otros (otro ejemplo)


• Cuando toca me pongo serio (o melancólico)


• Planteo acertijos cinematográficos (otro ejemplo)


• También escribo las cosas que "se me ocurren sobre lo que ocurre" (otro ejemplo)


• Me da por hacer simulacros de monólogos


• En vez de hacer críticas de películas, elaboro monográficos sobre el tema que abordan: Juno = Maternidad / El ultimatum de Bourne = Amnesia

Deseo que esta VISITA GUIADA te haya sido de utilidad. Si te ha satisfecho (o quizá no) puedes:

• Dejarme algún comentario


• Regresar siempre que quieras


• Incluirme en tu blogroll

En cualquier caso, gracias por tu tiempo y tu interés.

¡Perplejos saludos!

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Sitges'08

Lo achaco a la mala suerte.
O quizá no.

Uno no da abasto para todo y ha de elegir. En la selección se arriesga e interviene el azar. Extrapolar es desmesurado, ignorar el dato incongruente. El Festival da sus últimos coletazos y tras un puñado de películas visionadas sólo puedo llegar -de momento- a una conclusión, que en esencia es un interrogante: ¿Qué vieron los que invirtieron pasta en ellas para animarse a producirlas?

No es una alusión al criterio de selección del Festival (en todo caso al mío propio sobre la amplia oferta existente). Tampoco es una crítica a las películas en sí, que puede que gusten a ciertos públicos e incluso generen un buen negocio. He visto buenas fotografías, partituras, interpretaciones, diseños de producción, efectos especiales, trailers, carteles... Mi decepción se localiza en los guiones y mi admiración en la incógnita de cómo pasaron la criba.

Hoy no escribo yo / 2

"Arriesgarse siempre, menos cuando la falta de probabilidades de éxito conviertan nuestro acto en una temeridad. Arriesguémonos siempre que la victoria no sea imposible, siempre que pueda ser una mera consecuencia lógica de los medios puestos en juego para conseguirla. Nunca se tienen todos los triunfos en la mano de tal modo que la única consecuencia posible sea el éxito. Siempre hay un riesgo, y el que quiera tenerlo todo previsto y pisar únicamente sobre terreno firme se expone a no moverse jamás de su casa. El que sabe arriesgarse avanza más. Pero sin olvidar que arriesgarse completamente a ciegas es ir, casi con toda seguridad, al fracaso."

NOEL CLARASÓ en “Breviario para todos los días del año”

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Clarasó es un caso inaudito en nuestra deshonrosa amnesia histórica. Mente lúcida, escritor brillante, filósofo profundo y ameno, ensayista irrepetible, humorista sutil y genial, articulista exquisito... y un gran desconocido por nuestra generación. Aunque su obra es prolífica, sólo es posible encontrarla en mercadillos y librerías de viejo, donde los vetustos ejemplares se cotizan al alza. Internet apenas le recuerda en sus miméticos listados de aforismos y frases célebres, arte en el que Clarasó siempre destacó, como en el resto de géneros literarios que abordó, incluidos los guiones de cine.

Entablar una conversación

–Este chico tiene madera de guionista.
–¿Porque tiene el coco lleno de aserrín?
–Cumple lo pactado en escaleta a raja-tabla.
–...y dialoga "maderadamente" bien.
–No como otros, que están contrachapados a la antigua.
–¡Tú no te metas, tarugo!
–No le provoques, que es de los que reparte leña.
–Trabajaba en los astilleros, ¿no?
–Le llamaban “el rey de bastos”. Ya me entiendes.
–¡Menudo palo!

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la máquina de escribir es obra de boju matsumoto

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